Olivier Devise

Horizons 2025 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2025-09-17T13:41:58Z

Le sommeil du géant — Cyrille André

Ce géant de roche endormi, est conçu à l'échelle du paysage et en résonance direct avec la légende local « Le bon géant qui aimait les fleurs ». Semblable à Atlas transformé en chaîne de montagne, ce géant est plongé dans un profond sommeil de pierre. Cette sculpture, conçue en s'inspirant des formes et de la texture des roches environnantes, est à la fois minérale et organique et s'intègre parfaitement au paysage naturel du massif du Sancy.
Le sommeil du géant est à la fois solide et ludique et offre, notamment aux enfants, la possibilité d'interagir avec lui. Ils peuvent grimper sur ce géant de pierre ou se blottir au creux de son ventre, créant ainsi une expérience immersive et poétique qui relie intimement les légendes du territoire, l'art, la nature et l'imaginaire.

Magic Bus, Le bonheur ne vaut que s'il est partagé — Ghyslain Bertholon

Magic Bus est un hommage à l'histoire vraie de Christopher McCandless rendue célèbre grâce au film « Into the Wild » de Sean Penn. Le concept de cette œuvre repose sur la relation que nous entretenons avec la nature qui nous entoure. De plus en plus « hors sol », la population humaine à majorité urbaine semble souvent déconnectée de ce qui constitue notre environnement naturel. Le rapport au reste du vivant devient abstrait pour nombre d'entre nous. Cette posture, souvent subie, nous conduit à minimiser, voire à ignorer, les signaux envoyés par une nature en détresse. Comment, dans ces conditions, défendre notre environnement naturel ?

« On protège ce qu'on aime, et on aime ce qu'on connaît » — Jacques Cousteau

Le projet Magic Bus propose de recréer, de manière allégorique, un lien entre les Humains et le reste de la nature en plaçant au cœur du sauvage une construction abandonnée pouvant servir de refuge aux promeneurs.
Cette épave, constituée à 100% de bois recyclé, se situe à la croisée des chemins : entre civilisation industrielle et habitat traditionnel. Elle vous accueille en son ventre pour recueillir vos émotions et votre poésie.

Branchée — Marianne Cardon et Aurélien Dupuis

Appât, clin d'œil clinquant et festif à tout ce qui brille et nous attire de la civilisation, Branchée est une œuvre multifacette.
Elle nous invite à nous arrêter et à prendre le temps de contempler la nature en posant sur elle un regard poétique et féerique. Cette branche, créature fantastique de lumière, suspendue dans les airs, projette ses milliers de petites taches virevoltantes et dansantes sur les arbres autour d'elle sous l'action des rayons du soleil et du souffle du vent.
Dans les bois, le familier laisse ainsi place au fabuleux, l'inanimé se met en mouvement et la magie opère en convoquant le merveilleux de nos contes et émotions d'enfance. Objet miroir par essence, l'oeuvre reflète autant qu'elle éclaire la nature autour d'elle, révélateur de toute sa beauté, et comme guidés par ses lumières amies, elle nous enjoint à nous aventurer plus loin dans les forêts enchantées de nos imaginaires.

Pavillon Kazan — Haomin Chang, alias Frogberry

Le pavillon Kazan 火⼭の茶屋 s'inspire du Massif du Sancy, où le volcan, symbole de destruction et de création, devient central. Il mêle l'esthétique et les principes de la Chaya japonaise à l'essence de ce territoire unique. La préparation du thé est une alchimie du feu et de l'eau, à l'image des volcans du Sancy, où les éléments fusionnent pour façonner la terre et l'espace.
Au Japon, archipel volcanique situé sur une ceinture sismique, la nature est vénérée pour sa puissance. En France, ces connexions sont moins évidentes. Ce projet met en lumière l'harmonie entre feu et eau, éléments sculptant la terre et les gestes du quotidien.
Face aux crises climatiques, nous devons apprécier et préserver notre planète. Le Japon, terre plus jeune que le Sancy, est marqué par des croyances animistes influençant son rapport à la nature. Inspiré par ces idées, l'artiste a conçu ce pavillon, à la fois maison de thé et observatoire. Ses formes évoquent la naissance de la terre, les sources nourricières, les collines sculptées par le temps et l'éclosion d'une nouvelle vie née du chaos.

Horizons Listeners — Gleb Dusavitskiy

« Horizons Listeners » est une installation artistique représentant deux créatures mythiques des montagnes qui se tiennent par la main et regardent vers l'horizon. Symbolisant l'unité, l'amour et l'exploration partagée, elles inspirent la réflexion sur les voyages personnels et collectifs.

Elles invitent les visiteurs à interagir, à marcher entre elles et à partager leur regard. Mêlant esthétique naturelle et moderne, les créatures telles des yétis forment un pont de connexion et d'affection, célébrant l'unité et les possibilités illimitées des horizons.

« Horizons Listeners » souhaite faire entrer la magie et les légendes dans le monde d'aujourd'hui.

Fracture — Hugo Livet

« Fracture » est une installation in situ qui prend la forme d'un tracé brisé, un éclat lumineux qui fend le paysage, évoquant une fissure tectonique ou un éclair figé dans la matière. Ce tracé est composé d'un ruban réfléchissant, fixé sur des poteaux en bois et tendu en zigzag irrégulier, épousant la topographie du site.
Visible dans son ensemble depuis la colline opposée, Fracture joue avec la perception et l'échelle du paysage. La forme arborescente du tracé, ambiguë et transversale, oscille entre évocation naturelle et intervention artificielle. La matière réfléchissante capte la lumière, apparaissant et disparaissant selon l'angle d'observation, renforçant l'effet d'illusion.
L'installation questionne deux niveaux de rupture : la fracture écologique, soulignant la difficulté à concevoir le monde comme un écosystème interconnecté, et la fracture perceptive, où le réel et l'artifice se confondent. À la fois discrète et spectaculaire, Fracture dialogue avec son environnement en y révélant des tensions sous-jacentes, tout en conservant une présence minimale et réversible.

Fleurs de lave — Alix Perrin

L'installation « Fleurs de lave » prend place sur la façade de la chapelle du Pic Saint-Pierre, au cœur des volcans d'Auvergne. Inspirée par la force tellurique de ce paysage, elle représente des fleurs emblématiques de la région façonnées à la main en plâtre et céramique. On peut citer par exemple la pensée des montagnes, la gentiane, l'épilobe ou encore la soldanelle, espèces qui prospèrent sur les sols volcaniques riches en basalte et en pouzzolane.
Disposées en une composition évoquant une coulée de lave, elles semblent émerger de la pierre et se répandre jusqu'au sol, fusionnant le minéral et le végétal.
Cette installation cherche à questionner la mémoire des lieux et la résilience du vivant. Les fleurs, à la fois fragiles et pérennes, incarnent le dialogue entre destruction et renaissance, entre l'éphémère et l'immuable.
Les dimensions de l'œuvre s'adaptent à l'architecture de la chapelle, enveloppant une partie de la façade et se prolongeant sur le sol. En jouant avec la lumière et la texture des matériaux, elle invite le spectateur à une contemplation où nature et histoire se rejoignent.

Escalier du ciel — Juan-Pablo « POPAY » de Ayguavives

« Escalier du ciel » est une invitation à l'élévation exprimée par un escalier en forme de corne qui prend appui sur le ciel et qui mène à lui. Pour les promeneurs qui s'aventurent sur le site, il fournit une invitation à s'élever pour profiter d'un point de vue féerique sur les sommets.

Meganeuridae — Tracey Shough et Adam Varley

Cette sculpture intitulée « MEGANEURIDAE », du nom d'une catégorie de libellule préhistorique géante, capture la majesté de ces insectes anciens. Composée de trois paires d'ailes gigantesques entre 2 et 3 mètres de hauteur, elle évoque la grâce et la puissance de ces créatures volantes.
Les ailes, sur une structure de métal, sont ornées avec soin de pierres volcaniques et de disques de verre récupéré coloré. Grâce à un crochet réalisé avec des fils naturels, elles créent une esthétique qui évoque l'effet délicat de dentelle des vraies ailes des libellules. Chaque détail est conçu pour capturer la lumière et créer des reflets dansants sur l'eau, formant un arc-en-ciel scintillant.
Le massif du Sancy est une zone particulièrement riche en espèces de libellules, avec une vingtaine d'espèces enregistrées. Chaque libellule, avec ses couleurs éclatantes et ses mouvements gracieux, raconte une histoire de résilience et d'harmonie dans l'écosystème. En capturant l'essence et la délicatesse de la libellule, cette sculpture vise non seulement à célébrer leur beauté mais aussi à éveiller les consciences sur la nécessité de protéger notre biodiversité et de préserver ces habitats naturels qui leur sont essentiels.

Mirage des Koractis — Matteo Tassan

« Mirage des Koractis » imagine un paysage désertique futuriste, inspiré par les bouleversements climatiques et la migration des plantes. Cette installation sculpturale explore l'adaptation des écosystèmes à travers des formes hybrides entre cactus et coraux, symbolisant la résilience du vivant face aux mutations environnementales.
L'œuvre se compose de trois sculptures en bois sculpté, évoquant des cactus aux troncs parsemés de branches. Le bois, minutieusement travaillé, imite les textures organiques des coraux, créant un dialogue entre les mondes terrestre et aquatique. Des fleurs en feutre viennent ponctuer ces structures, apportant une touche de douceur et de contraste.
Deux sculptures s'élèvent verticalement, élancées et imposantes, tandis que la troisième repose au sol, suggérant un mouvement naturel ou une transformation en cours. Réalisée en chêne et ornée de fleurs en feutre, cette installation offre une vision poétique et utopique de l'évolution des paysages et de la cohabitation des espèces dans un monde en mutation.

Horizons 2024 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2025-01-19T18:28:35Z

En faire une montagne ! — Juliette Miséréré

Au pied de ce monticule de maisons de poupée, un rougeoiement est visible la nuit, comme un départ de feu. Le gargantuesque de cette montagne invoque l'image du géant du massif.

Cette installation est un écho avec l'actualité de notre monde. Des milliers de gens abandonnent ou perdent leurs foyers à cause des conflits ou des catastrophes climatiques. La maison de poupée est une image d'un habitat idéal, voire un archétype, qui laisse une empreinte dans la mémoire des adultes, un engramme.
Par leur esthétique, choisie pour leur portée symbolique dans la mémoire collective, ces maisons nous inspirent les moments doux de notre enfance. Leurs mises en situation dans cette installation symbolisent au contraire la perte des repères, de sécurité et d'insouciance.

Green washing — Muro Atelier

Lave-auto perdu au milieu d'une forêt de hêtres, « Green Washing » est une installation artistique conçue à partir de matériaux réemployés, qui raisonne par l'absurde. Composée essentiellement de grillages assemblés à des roues de vélos, sur lesquels sont attachés des tissus réutilisés, cette proposition contraste vivement avec son environnement par sa forme et ses couleurs. Avec ses deux mètres de hauteur et son emprise de dix mètres carrés, elle invite à l'interaction des utilisateurs qui peuvent animer la hêtraie par ses rotations qui font danser les tissus colorés entre les arbres.

Le nom « Green Washing » pointe, non sans une certaine ironie, cette volonté contemporaine de se « nettoyer par la nature », souvent hypocrite et trop utilisée à des fins commerciales. L'idée est ici de changer la perception de cette pseudo-idéologie écologique tout en créant un objet aux qualités spatiales et graphiques qui s'insère dans le paysage. Alors que sa forme tend à rappeler un peu celle des arbres qui l'entourent, cette installation invite à une réflexion sur la coexistence complexe entre le naturel et l'artificiel dans notre monde moderne, et incite, par son improbabilité, à réévaluer nos comportements humains face à la nature.

L'impression et l'empreinte — Odysseas Yiannikouris

Comme un conte, cette œuvre est une médiation entre nos sens et notre environnement.

La magie d'une forêt c'est inexplicable vraiment, donc on parle de trois fées, ou d'un loup ou de la rhizosphère. Cette oeuvre veut rendre palpable et tangible la lumière des sous-bois auvergnats : la mettre sous le nez du visiteur, et qu'il la touche… En utilisant le principe de la camera obscura, l'installation produit un tableau peint avec la lumière recueillie dans le paysage. Ce tableau évolue constamment, au grès du mouvement des ombres et du ciel. C'est un geste impressionniste qui donne à voir, plus que l'image, la matière lumineuse et sensationnelle qui la compose.

Cette abstraction, cette image qui se recomposera sur les tableaux de l'installation, veut être une pédagogie du regard désinhibé : celui qui prend le temps ; celui qui s'attarde sur les variations du climat, des ombres, des plantes, et de l'humidité ; celui qui s'émerveille de l'apparition de légères variations ; celui qui, devant un moment commun et quotidien, se met à voir un peu différemment.

Drosera — Lika Guillemot

Drosera je te bois, ne me mange pas !
En ces temps de déplacements des vivants, la drosera quitte les tourbières du Sancy pour s'installer sur le suc de Teirilloux. L'installation Drosera s'inspire de l'herbe insectivore homonyme qui signifie « couvert de rosée ». Mais au lieu de capturer les insectes pour les ingérer grâce à son mucilage collant, il s'agit ici de produire des réserves d'eau précieuse et d'abreuver les différentes espèces en présence. Habituellement d'une taille de 10 à 20 cm, Drosera est ici agrandie et apparaît telle une hutte, une ruche ou un abri pour les vivants. Ses couleurs s'inspirent de la Drosera rotundifolia (espèce protégée), aux couleurs vives et brillantes. Drosera propose un refuge pour les espèces en présence et invite au regard, au toucher et à expérimenter l'espace (ombre, eau, poésie).

Blossom Gateway — Shilpa Joglekar

Une « porte » transcende son sens littéral d'entrée ou de sortie. Elle signifie une transition, un voyage symbolique entre des états ou des lieux, portant des significations profondes au-delà de son aspect physique.

Blossom Gateway est créée à l'aide de branches tressées de manière complexe, formant une voûte semblable à de la dentelle, ornée de bourgeons de grande taille. Les branches entrelacées symbolisent l'unité, la croissance et l'interconnexion, tandis que les fleurs qui s'épanouissent représentent les moments fugaces mais magnifiques de la vie.

Blossom Gateway vise à susciter un sentiment d'émerveillement en incitant à contempler l'équilibre délicat entre l'intervention humaine et la résilience de la nature.

La jeune femme et la mer — Charles Herrou

S'avançant sur l'eau, LA JEUNE FEMME ET LA MER est une représentation suspendue d'un buron auvergnat qui dévoile une légende du Massif du Sancy : « le saut de la pucelle ». Cette légende raconte l'histoire d'une jeune bergère qui, pour échapper à un seigneur insistant, sauta de la falaise dominant le lac. Elle fut miraculeusement sauvée, mais sa tentative de réitérer l'exploit pour convaincre les villageois sceptiques lui fut fatale.

La morale de cette histoire enseigne que « l'amour de la vertu l'a préservée, l'orgueil la perdra ».

LA JEUNE FEMME ET LA MER invite à réfléchir sur la morale de la légende, qui omet de condamner les agissements du seigneur. Le buron devient alors une réécriture de l'histoire, où les visiteurs découvrent la demeure de la bergère, préservée d'un destin tragique.

Éclosion Tellurique — Djulia Fernandez

Le puy de Sancy est un lieu plein d'histoires. Des millénaires auparavant, des violences ont donné naissance à l'environnement que l'on connait aujourd'hui. Au cœur de ce projet réside une mise en lumière symbolique de ces tumultes. La forme en spirale, inspirée de la structure atomique de la silice présente dans les roches volcaniques, devient le fil conducteur, exposant la complexité des phénomènes de formation des volcans.

Éclosion Tellurique est une expérience immersive sous la forme d'un parcours qui invite les visiteurs à pénétrer un univers symbole du passé. La texture du matériau utilisé, la pouzzolane, et la lumière, deviennent les vecteurs d'une immersion totale, plongeant les participants dans un monde parallèle, le point de départ de tout ce qui nous entoure aujourd'hui. Cet espace dépeint la dévastation environnementale causée par les éruptions, contrastant avec la vie prolifique actuelle du Sancy.

Écrin torique — Alexia DeFluff et Clément Doyen

Une forme géométrique simple et ronde, réconfortante et intrigante. Elle nous suggère à la fois un nid gigantesque ou encore une bouée de sauvetage...

Entièrement composée de fines branches tressées entre elles, on pense tout de suite à la vannerie et au tressage en osier, mais l'échelle de l'objet interpelle. Entourant le tronc complètement, il nous empêche tout accès à celui-ci, telle la matérialisation d'une aura protectrice et bienfaisante. En s'approchant, on réalise qu'une ouverture nous permet de rentrer à l'intérieur et de circuler tout autour de l'arbre. On est alors surpris de constater que l'ambiance y est tout autre. On se sent enveloppé, en sécurité. Si on y croise quelqu'un, la rencontre prendra une tournure différente et plus intime qu'à l'extérieur.

Cet écrin torique est une fiction, la géométrie fictive d'un objet absurde qui servirait à protéger les arbres, telle une bouée de sauvetage permettant de venir en aide à cette nature déclinante et décimée.

Horizons 2023 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2024-04-23T15:30:04Z

La cabane aux miroirs — Antoine Janot

Dans cette vallée traversée par les pâturages, « La cabane aux miroirs » est le reflet d'une époque, un hommage aux éleveurs et aux bâtisseurs du buron de Venzoux situé à quelques mètres de là. Utilisés par les éleveurs ou par les randonneurs pour y trouver refuge, ces édifices massifs de pierre et de lauze protégeaient ceux qui s'y abritaient. Foyers éphémères, ils accueillaient des fragments de vie comme autant de fragments de miroirs.

Si la tradition pastorale a aujourd'hui disparu, le buron de Venzoux n'en demeure pas moins la mémoire fragile d'une histoire qu'il faut protéger. Afin d'incarner ce patrimoine montagnard en danger, « La cabane aux miroirs » évoque un héritage architectural du Massif du Sancy qui fait corps avec le paysage qui le façonne. Entièrement recouvert de mosaïque de miroirs, l'édifice reflète en effet la nature alentour, en hommage aux burons qui faisaient partie intégrante d'une époque où l'homme vivait en harmonie avec la nature, une coexistence aujourd'hui menacée.

Ballet d'araignées d'eau — Didier Ferment et Bruno Tondelier

Dans ce vaste paysage du Sancy, les artistes proposent un focus sur la vie minuscule de ses étangs : celle des araignées d'eau. Toutes petites, elles participent à l'équilibre écologique en micro-mélangeant les couches superficielles de l'étang. Fascinantes à regarder, elles glissent à la surface de l'eau, patinent sans effort et dansent sans cesse en improvisant.

Dans un changement d'échelle, cette œuvre propose au public d'imaginer un ballet de ces « patineuses d'eau » : des structures auto-tendues de bambous, de cordes et de voiles flottent sur la piste d'un étang.

Chaque structure est mise en mouvement par le vent, tourne autour de son ancre, balance dans les rafales, danse à la surface de l'eau. L'ensemble se donne en spectacle.

Le vent, l'eau et le soleil donnent vie au ballet et invite le public à la rêverie.

Ruine — Riccardo Buonafede

« Ruine » est une représentation de « Mère Nature », selon l'artiste. Elle s'inspire de monumentales statues indonésiennes, parfois recouvertes de racines et de feuillages qui rendent hommage aux dieux et divinités. Comme de vieux bâtiments abandonnés par l'homme, la nature veut reprendre possession de ses espaces. L'artiste a souhaité dédicacer cette œuvre à la nature car il la considère comme une ressource indispensable à l'espèce humaine. L'installation à proximité d'une cascade fait sens. C'est l'endroit idéal pour que la représentation de « Mère Nature » émerge entre l'eau et les rochers.

Aujourd'hui, on parle beaucoup de vert et d'éco-durabilité, le choix d'utiliser des matériaux plastiques pour un hommage à « Mère Nature » est une provocation, un choix délibéré pour souligner la dégradation de l'environnement par l'homme.

Zeitgeist #4 — Virgile Abela

« ZEITGEIST#4 » est une installation sonore composée d'un orgue de harpes éoliennes hautes de 4 mètres. Cet ensemble capte les vibrations de l'air et les transforment en une musique holistique. Leurs présences érigées sur « un toit du monde » s'invitent dans le paysage comme des monolithes vibratoires, proposant au public une écoute rituelle et contemplative de la musique du vent, façonnée par la topographie du paysage.

ZEITGEIST est le nom donné à une recherche étendue (artistique, scientifique et politique) sur l'art sonore éolien initiée en 2020, de laquelle naissent des installations, des films, des performances et des innovations organologiques dans les domaines du land art, de l'art urbain, de la lutherie et de la création sonore ou numérique. Chacune de ses propositions se distingue numériquement par un #_, sous des formes transdisciplinaires uniques, sérielles ou déclinées. Elles cherchent toutes à saisir les vibrations du paysage pour les transfigurer en matière visuelle et sonore, à l'écoute de l'air du temps.

Vents d'Auvergne — Charlotte Goffette et Lucie Sahuquet

« Vents d'Auvergne » est un projet artistique et pédagogique sur le vent spécifique au Massif de Sancy.
Il est composé d'une plateforme-assise centrale qui redessine les points cardinaux pour se repérer et repérer les différents vents par leur orientation.

Sur cette plateforme, chaque vent est nommé́ avec des informations brèves. Le but est de pouvoir ressentir le vent présent à l'instant et de comprendre d'où̀ il vient. Afin de percevoir la diversité́ et les ressemblances de certains vents, autour de la plateforme, sont placés des drapeaux visuels.

Eye — Tereza Hola

Autrefois les pasteurs nomades emportaient avec eux ce qu'on appelait les « nombrils du monde » pour être connectés à la terre et à l'univers. Ils construisaient leurs habitations autour de ces objets. Ils n'étaient jamais perdus ou désorientés car ils sentaient leur centre.

Le projet « Eye » s'inspire de ces anciennes traditions. La forme et le design sont basés sur la yourte, une maison circulaire transportable typique des pasteurs. Cependant, la surface est faite de bouteilles en plastique coloré. L'effet obtenu ressemble à l'iris d'un œil avec un dôme en verre au milieu.

De nos jours, nous sommes désorientés par la surcharge d'informations et de perceptions, achetant et consommant sans réfléchir. Il est temps de revenir à notre centre. Allez, allongez-vous et regardez les étoiles.

Connectez-vous avec la terre et l'univers.

Anadrome — Camille Mansir

« Anadrome », c'est une nage aérienne, une traversée aquatique au cœur de la forêt, une immersion en mer végétale. Ce banc de poissons, fait de bambous tressés, est suspendu dans une hêtraie en bord de Dordogne.

Cette installation est collaborative et évolutive. Elle a trouvé naissance en Gironde où un public a été invité à réaliser ces sculptures grands formats. Voyant au gré des ateliers participatifs le nombre de spécimens croître, elle entame sa migration vers le Sancy.

Cette œuvre est une invitation à la rêverie qui cherche autant à surprendre qu'à mettre en exergue un enjeu écologique : la diminution du vivier de poissons migrateurs dans nos cours d'eau du fait des conditions environnementales dégradées et des obstacles trop nombreux.

Mémoire — Sylvie de Meurville

« Mémoire » telle une apparition, ange liquide ou naïade à fleur de cascade, nous rappelle qu'il n'y a aucune différence ni limite entre la nature et nous, nous sommes eau.

L'eau rentre pour environ 60% dans la composition du corps humain, et pour 80% dans celle des végétaux, c'est un des constituants principaux de la vie. En tombant des nuages pour s'infiltrer dans la roche et en ressortir sous forme de source, elle fait le lien entre le ciel et la terre. Elle a initié de nombreuses légendes et joue un rôle primordial dans la plupart des traditions. La mythologie grecque évoque deux sources, Mnémosyne et Léthé, la mémoire et l'oubli. La seconde a donné son nom à un fleuve des enfers.

« Mémoire » joue avec l'eau du Ruisseau de l'Enfer, jusqu'à se confondre avec elle. Saurons-nous éviter la léthargie de l'oubli et suivre son injonction à préserver la vie ?

Orgue aux abeilles — Sati Mougard

L'idée de créer un orgue en cire d'abeille – dont la forme évoque celui des parfumeurs – est née suite à l'observation d'orgues volcaniques en Auvergne. Ces surprenantes formations rocheuses, dont les prismes sont majoritairement hexagonaux, évoquent les alvéoles des ruches des abeilles. D'autant plus que dans leurs milieux naturels, ces insectes mellifères prennent souvent pour logis des cavités rocheuses. Par analogie, le lien entre géologie et apiculture devient étrangement naturel.

Solaire par la couleur, séductrice par l'odeur, mystique par la forme, évoquant des vestiges d'autel antique, « L'orgue aux abeilles » se veut être une expérience individuelle, multisensorielle révélant le caractère sacré et essentiel des abeilles.

« L'orgue aux abeilles » a vocation à sensibiliser au respect du vivant et à investir un rapport organique à l'œuvre d'art, avec l'idée que le matériau employé (la cire) puisse enrichir la faune (insectes) environnante ou qu'il puisse être refondu pour retourner au travail apicole.

La cire d'abeille est un matériau vivant, sensible à la chaleur, susceptible de couler. Ce caractère éphémère et fragile renvoie au réchauffement climatique, aux canicules et plus largement aux dérives des activités humaines ainsi qu'au déclin des pollinisateurs..

Dancing figures / fairies — Rumen Dimitrov

« Dancing Figures » s'inspire d'une fête traditionnelle bulgare « Enyovden », fête de la nature. Selon la tradition, c'est la nuit précédant l'Enyovden que les plantes médicinales ont le plus fort pouvoir de guérison, les femmes sortaient avant le lever du soleil pour récolter les plantes nécessaires pour l'année.

Les formes de ces femmes errantes dans la nuit ont créé chez les bulgares fables et légendes à leur sujet. « Dancing Figures » reprend cet imaginaire en créant six figures sculptées dans des troncs d'arbres, disposées dans la nature et dansantes au gré du vent.

La Muraille de Chine

Olivier Devise — 2022-12-30T15:32:57Z

Samedi 17 septembre, à l'occasion des journées du patrimoine, la Muraille de Chine de Clermont-Ferrand ouvre une dernière fois ses portes pour permettre aux visiteurs de revenir sur les 60 ans d'histoire du bâtiment clermontois.

Fin 2023, il ne devra plus rien rester des 320 mètres de béton de la « muraille de Chine ». L'immense immeuble en cours de déconstruction est devenue une galerie d'art le temps d'un week-end. L'installation de huit étages a été réalisé par un artiste littéralement habité par le lieu, Olivier Agid

Quand je suis arrivé ici et que ce n'était pas encore cassé de partout, c'est sûr que j'ai été profondément ému (...) On sent l'âme de ce qui a vécu ici

Voici quelques photos de cette galerie éphémère.

Forêt des souches sculptées

Olivier Devise — 2022-12-30T13:20:16Z

De l'envie de prolonger la vie de l'arbre est né le sentier des sculptures sur souches. À l'origine de cette balade poétique, Loïc Bertrand, agent de la commune en charge des coupes sanitaires, a souhaité prolonger la vie des arbres et surprendre petits et grands. En 2015, il se lance, équipé de sa tronçonneuse, dans une première sculpture sur souche remarquée des randonneurs. D'autres œuvres viennent ensuite peupler la forêt … un ours, une marmotte, et même une statue de l'île de Pâques ! Ou plus récemment encore un loup et un lutin.

Dissimulés aux abords du parcours de santé de Châtel-Guyon, plus de 40 animaux et personnages guettent les promeneurs. Ces œuvres d'art attendent discrètement, dans la vaste forêt communale, d'être aperçues des yeux émerveillés des enfants. Mais cherchez les bien car ils se font discrets …

Horizons 2022 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2022-10-02T13:41:05Z

Érosion [1421. 1416] — Julien Fajardo et Vincent Bredif

Imaginons-nous il y a des dizaines de milliers d'années, une montagne dans laquelle une grotte existait, révélée petit à petit par l'érosion. Une forme intuitive, résultat d'un relevé topographique imaginaire de cette caverne, est suspendue dans l'espace, saisie dans le temps. Le premier mode d'habitat est notre propre corps et notre premier réflexe a été de se protéger des intempéries et des attaques des animaux en nous réfugiant dans des grottes naturelles. Érosion [1421. 1416.] est une invitation à appréhender les reliefs, une ArchiSculpture qui incite à vivre pleinement chaque mouvement.
Gravir pour atteindre des espaces de « pause » et observer, depuis d'anciens points de vue le paysage environnant, être dans le paysage, devenir le paysage et renouer avec notre nature propre.

Fossile — Mathieu Nouhen

Fossile est une œuvre en deux temps, il s'agit d'abord d'une spirale composée de piquets de bois brûlé. Cette empreinte dans le paysage vise à initier un dialogue primitif avec la région volcanique et à agiter notre imaginaire collectif et individuel sur des thématiques archaïques, environnementales et spirituelles. Dans un second temps, il s'agit d'un parcours accompagnant le visiteur au centre de la spirale, où un sol d'écorce de cèdre rouge vient habiller le cœur et contraste avec le noir carboné du bois. Ici, la relation essentielle entre l'homme et le paysage prédomine tant dans l'approche constructive que dans la signification.
En utilisant des gestes constructifs rudimentaires, l'œuvre converse avec le paysage et bâtit
un échange intemporel.

Canopée — Catherine Baas

L'œuvre s'appuie sur la communication entre les végétaux et renvoie aux questions environnementales de préservation des espaces arborés.
Ici, dans Canopée, la forêt nous accueille en nous offrant la possibilité de s'asseoir ou de s'allonger pour l'observer. Cette installation de miroirs suspendus mêle notre reflet à celui de la forêt et permet aux visiteurs de se lover dans un paysage boisé sur une structure aux
couleurs charnelles. Cette pause entre les arbres sollicite tous les sens et questionne notre relation avec la nature, elle nous permet d'en faire partie intégrante.

Pluie de Montchal — Pier Fabre

L'installation Pluie de Montchal dessine un immense volume cylindrique, d'un millier de rubans légers et brillants en suspension au centre du cratère. À chaque bouffée de vent, les rubans commencent par osciller, puis s'élèvent pour aller danser en hauteur, au soleil, ils scintillent de milliers d'éclats de lumière produisant de puissants effets optiques. Les visiteurs peuvent se placer au cœur de ce vaste dispositif, s'immerger dans cet espace sonore et visuel qui respire et se soulève, porté par le souffle de la nature.

Float — Piotr Wesolowski

Float est composé d'une série de sculptures flottant sur l'eau, découverte d'une plante nouvelle abstraite et géométrique que l'on peut non seulement observer, mais aussi entendre. À la manière des arbres qui se dressent dans le vent et qui, en bougeant leurs branches, émettent un bruit apaisant, l'installation est en corrélation avec son environnement. L'œuvre émet un son, tout en se balançant légèrement sur les côtés. La sculpture s'harmonise avec le vent, grâce auquel elle devient un organisme vivant.

Soyez prudents par temps d'orage ! — Guillaume Cochinaire

Ce paratonnerre prenant la forme d'un oursin géant, est constitué de centaines de fils de cuivre jouant avec les rayons du soleil et permettant au visiteur de voir l'œuvre scintiller au loin. Cette installation s'inspire des grands questionnements de notre époque : celui de l'approvisionnement énergétique à l'échelle de la planète, mais aussi sur l'idée d'une possible captation de l'électricité à partir des éclairs.
Cette utopie futuriste a aussi un revers à sa médaille… L'énergie gratuite et infinie n'est pas sans défaut. Aussi, Soyez prudents par temps d'orage !

Renversante immersion — Edouard Sautai

Renversante immersion invite le visiteur à une expérience immersive et sensorielle unique où le sol se dérobe et laisse place à un environnement dédoublé. Le cours d'eau partiellement dévié alimente un miroir d'eau surélevé, auquel le visiteur accède en se faufilant par un étroit passage. Désormais les yeux au ras de l'eau, sa vision est alors proche de celle d'un nageur ou d'une grenouille. Le regard de « l'immergé » est pris au jeu enivrant de l'illusion contemplative, au centre du miroir, l'eau tranquille procure une sensation de calme et d'apaisement. Cependant, les conditions climatiques varient et modifient notre expérience sensorielle. En cas d'orage, le miroir d'eau brisé pourrait devenir source d'angoisse, nous plongeant dans la posture tourmentée d'un naufragé.

À l'ombre bleue des eukaryotas — Élisa Sanchez

À l'ombre bleue des eukaryotas révèle la silhouette de fleurs, feuilles, brindilles, mousses et brins d'herbe glanés dans le Massif du Sancy au hasard d'une balade. Grâce au soleil, leur forme organique s'inscrit en creux dans le bleu profond des cyanotypes imprimés sur de vastes pans de tissus brodés. Ces bannières végétales invitent à écouter les modulations du vent dans les branches et le tissu, à sentir des parfums, ressentir des textures, chercher les plantes qui ont offert leurs silhouettes. Cette création est une façon d'imaginer des négociations joyeuses pour participer à un écosystème sans l'envahir.

Symphonie Pastorale — Luc Doin, Quentin Bourguignon et Marin Delebecque

Symphonie pastorale est une micro-architecture élancée évoquant l'archétype du clocher. Repère à la fois temporel et visuel, le symbole du clocher est synonyme de centralité. Ce point névralgique est ici déplacé au cœur de ce qui fait le Sancy : son activité pastorale. Le
déplacement du clocher questionne le regard porté sur les espaces agricoles, leur évolution, leur transformation.
Le public sera ici acteur de la ruralité le temps d'un instant, il pourra composer sa symphonie pastorale en actionnant une vingtaine de cloches. Un hymne au monde rural.

Horizon 2022, “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise

Street art

Olivier Devise — 2022-03-25T13:44:50Z

Le street art ou l'art urbain est, à la fois, un mouvement artistique et un mode d'expression artistique, qui s'affirme ou se revendique ainsi, principalement à partir de la fin du XX^e siècle.

La Fédération d'Art Urbain le définit ainsi :

Aux origines illégales, subversives et éphémères, il s'agit en général d'œuvres ou productions plastiques prenant en compte le contexte de création de manière à le questionner, l'explorer, le marquer, le dégrader, le détourner ou le sublimer.

Toutes les photos ont été prises dans l'agglomération clermontoise.

Street Art City

Olivier Devise — 2022-02-13T08:33:06Z

Un passage près de Moulins à Street Art City, dans le petit village de Lurcy-Lévis. Street Art City est une vitrine pérenne, non vouée à la démolition ou à la réhabilitation pour tout ce qui concerne l'Art Urbain. Cela permet d'avoir des œuvres de grande qualité, en extérieur et en intérieur à l'Hôtel 128.
Street Art City, c'est plus de 22 000 m² de surfaces recouvertes de fresque, de nombreuses résidences d'artistes chaque année, ...

Horizons 2021 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2022-02-12T14:34:31Z

Cygnal — Ghyslain Bertholon

Un oiseau pris au piège dans une bouée de sauvetage : la situation paraît inextricable et absurde. D'abord parce que l'accessoire de secours se retourne contre son utilisateur, ensuite parce que le volatile est censé savoir nager !
Surréaliste à souhait, l'image s'avère aussi angoissante qu'elle prête à sourire et suscite une multitude d'interrogations. Vanité contemporaine à la fois drôle et cruelle, Cygnal nous interpelle sur la fragilité de notre environnement. Un monde que l'Homme a façonné au gré de son expansion hégémonique et dont il a détruit les grands équilibres écologiques.
Installé sur plan d'eau, Cygnal sonne comme un avertissement décalé offert à la sagacité des promeneurs.

Ruissellement — Mathilde Caylou

Ruissellement est une installation en verre suspendue aux branches des arbres. Des gouttes de verre soufflées enfilées sur un filin, former un rideau de pluie transparent.
L'eau est devenue et deviendra de plus en plus une préoccupation pour les agriculteurs et chacun d'entre nous. Le Massif du Sancy est riche de ses ressources en eau. Pluviométrie et forêts sont intimement liées ; ces dernières favorisent l'évaporation, la captation et la filtration de l'eau. Par cette installation poétique et délicate, l'artiste souhaite souligner cette relation privilégiée et vitale de l'eau et de la forêt, et par ruissellement, du vivant en général et de notre cadre de vie.

Mimétisme — Stéphane Cellier

Le mimétisme est la propriété que possèdent certaines espèces animales de prendre l'apparence du milieu environnant.
Mais si cette fois, c'était la nature environnante qui souhaitait prendre l'apparence des œuvres d'art qu'elle entoure ?
Pour la création de cette œuvre, la magie et la poésie sont les vecteurs principaux.
L'œuvre Mimétisme est basée sur la création d'illusions d'optique pour permettre au visiteur de découvrir des sculptures qui paraissent en lévitation et des arbres autour qui semblent les imiter.
Pour réaliser cette œuvre des techniques de peinture en trompe l'œil et d'anamorphose seront utilisées.

QI Flowers — Christian Délécluse et Perrine Villemur

Les boules de qi gong, originaires de Baoding en Chine, sont utilisées depuis des millénaires en médecine traditionnelle chinoise pour rétablir l'harmonie entre l'humain et la nature.
Qi flowers transforme trois cents boules de qi gong en un vaste champ de fleurs miroitantes et sonores qui oscillent au gré du vent.
Reflétant l'environnement, ces fleurs d'acier construisent une unité en mouvement entre le ciel, la terre, et les êtres qui la peuplent. L'environnement sonore subtil et apaisant invite les promeneurs à s'immerger dans ce champ de fleurs artificielles.

I believe I can fly — Gleb Dusavitskiy

I believe I can Fly symbolise les rêves.
Cette installation artistique céleste se déploie et prend sens uniquement lorsque le visiteur emprunte les ailes et se laisse guider par ses songes, son désir d'évasion et de liberté.
A travers cette œuvre interactive, laissez-vous porter par vos rêves les plus fous ! I believe I can Fly s'élève au-delà de toutes les frontières de l'imaginaire, une sculpture qui donne du souffle et de l'élan à vos inspirations.
L'artiste se met lui aussi à fantasmer et imaginer que cette œuvre serait porteuse d'un certain pouvoir, celui qui permettrait au public d'incarner et de croire en ses rêves.

Lava — Nicolas Grun et Pierre Laurent

Lava agit à l'échelle du paysage en faisant émerger sur le promontoire la forme d'un dôme rougeoyant qui paraît presque irréel. La terre se fissure en un réseau géométrique de failles qui semblent laisser s'échapper des gerbes verticales. Le vent s'en empare et fait danser ces lignes dans le ciel.
La combinaison de deux formes géométriques, la sphère et la structure hexagonale en nid d'abeille, forme que l'on retrouve dans les formations des orgues basaltiques, compose une série de cellules juxtaposées de hauteurs variables.
L'œuvre est un lieu à explorer. Le visiteur peut passer entre les lignes de sangles et pénétrer dans le dôme, en passant d'une cellule à l'autre. Chacune d'entre elles est un espace délimité par ces cloisons-filtres qui « tamisent » le paysage environnant, d'autant plus que l'on se rapproche du centre de l'œuvre.

Stone 9 — Benjamin Langholz avec la contribution d'Amihay Gonen

Stone 9, vous invite à expérimenter un instant fusionnel avec la nature environnante en vous promenant sur un chemin composé de neuf pierres flottantes de 250 kg.
Confrontez-vous à la nature et à vous-même, tout en mettant votre équilibre à l'épreuve et en prenant de la hauteur. Les neuf pierres « flottent » à 2,5 mètres au dessus du sol, soutenues par des câbles d'acier fixés à trois colonnes d'acier minimales. Marcher sur les pierres « flottantes » avec aisance, comme si l'on sautait sur des rochers au dessus d'un ruisseau où le poids et la stabilité sont en mouvement et deviennent légers.

Pollen — Marion Orel

Cette sculpture s'inspire de l'aspect de certains pollens présents dans la nature à l'échelle microscopique. Elle est implantée à la surface d'un ruisseau, comme un grain de pollen qui aurait été déposé par le vent.
POLLEN reflète la nature qui l'entoure à la manière d'un kaléidoscope, proposant de son environnement une représentation nouvelle. Les spectateurs observent à la surface de la sculpture ces images, tableaux poétiques du paysage environnant qui se redessinent à mesure de leur déplacement, selon l'angle de vue ou simplement au gré de la lumière environnante.

Le géant et la fée — Charles Serruya

Le Géant et la Fée est une sculpture en fil d'acier, un monument transparent qui surgit de la montagne et se découpe sur le ciel pour nous emmener dans l'univers enchanté des contes et légendes du Massif du Sancy.
Selon l'angle de vision, le temps et la lumière, le géant prend différents airs, un coup de vent le fait respirer doucement tandis que son amie la fée ondoie au bout de son doigt. Imposant et gracieux, « le Géant et la Fée » puise dans l'énergie et la beauté de la nature pour prendre vie et veiller tendrement sur l'Homme.

Un arbre m'a dit — Erwan Sito avec la contribution de Patrick Musard

Puisque l'humanité semble ne pas réussir à se hisser à la hauteur de l'Arbre, l'installation
Un arbre m'a dit propose que l'Arbre se penche sur l'humanité. Une invitation à rentrer en frondaison ; un renversement de ce monde qui marche sur la tête, une recherche de fondations poétiques. Comme une conjuration, l'Arbre se met à hauteur d'homme pour offrir en son sein un autre regard, pour prendre parole et proposer recul sur ce qui nous entoure.
Grâce à un système optique, le paysage environnant apparaîtra la tête en bas, la cime de ses arbres devenant, le temps de cette édition, des piliers de l'image et par extension de nouveaux piliers du monde.

Vitr'o — Nicolas Triboulot

À la manière de la mosaïque, de la tapisserie et des courants artistiques comme l'impressionnisme ou le pointillisme, Vitr'O, tel un vitrail d'eau colorée, joue avec les lumières changeantes du Sancy. Le soleil saura faire vibrer les couleurs, comme des pierres précieuses.
Les pensées sauvages, de couleur bleue, sont comme un tableau de Georges Seurat, composé de centaines de petites taches de couleurs.
Elles sont constituées de petites poches contenant de l'eau de différentes couleurs, telles des pixels naturels, et composent une œuvre qui prendra place au milieu de l'immense nature. Tout n'est qu'une histoire de point de vue et d'échelle. Petits nous sommes, face à l'immensité du monde et de la nature, sachons regarder autrement…

Exofaune — Thiago Antonio

Exofaune est une sculpture sonore qui propose une association insolite entre un satellite déchu et un oiseau chanteur. Les satellites ont permis à l'Homme de regarder plus loin ont une durée de vie très courte, puis sont abandonnés et remplacés par de plus modernes. Ici il se métamorphose en un oiseau-machine délabré qui a construit son nid et y chante de jour comme de nuit.
La sculpture reçoit la pluie, le soleil, le vent et se transforme. Sa matière évolue et change d'apparence au fil des semaines. L'aspect rouillé n'est rien d'autre qu'une réaction avec les éléments naturels et qui protège, donnant une plus grande durabilité aux pièces qui le composent.
Placée au Puy de Chambourguet, l'installation possède un dispositif automate qui utilise des capteurs pour transformer l'intensité de la lumière et la force du vent en différents sons créant un récit de fragments sonores ne reproduisant jamais la même mélodie. Le cratère devient un amphithéâtre de la nature, et l'oiseau nous raconte tout ce qu'il a appris autrefois, lorsqu'il a orbité autour de nous.

Horizons 2020 - “Arts-Nature” en Sancy

Olivier Devise — 2022-02-12T13:57:45Z

Symbiosis — Alex Werth

Symbiosis a pour ambition de rendre visible un processus invisible à l'œil nu : la symbiose entre les arbres et les champignons, un processus complexe d'échanges de nutriments et d'eau. Réalisés par impression 3D, ces champignons artificiels réimplantés en milieu naturel rappellent que le monde est une interaction complexe entre d'innombrables formes de vie, dont l'équilibre peut facilement être perturbé. Métaphore du monde en perpétuelle évolution dans lequel nous vivons, l'installation devrait, le temps d'un été, servir d'espace d'habitation temporaire pour la faune et la flore.

Tic-Tac Glou — Team Fleur

« Mais quel est ce bruit ! Un concert peut-être ? Nous devrions aller voir … »
Tic-Tac-Glou ramène les sonorités de la cascade jusqu'aux pieds des visiteurs. Création naturelle faite de bambous et de cordes, elle utilise l'eau comme force mécanique pour actionner un jeu d'instruments à percussion. Plusieurs gouttières acheminent l'eau et créent de nouvelles cascades à la fin de chaque suite de bambous. Entre temps, les conduits perdent de l'eau. Cette eau actionne des fontaines japonaises, les sozûs, qui viennent percuter la pierre. Le tout provoque un véritable concert de percussions, création sonore naturelle qui, fonction du débit, suit les fluctuations climatiques.

Temps Zéro — Anne Poivilliers

Le Temps Zéro serait défini par le temps initial de l'univers, l'origine du temps. L'instant précis où tout aurait pu ne pas être, c'est ce moment d'attente, le chaos précédant l'eau, la vie, les cycles.
Même ici, les sources et les cours d'eau arrivent à se tarir. Il est important de ressentir, par la force du jaillissement, la fragilité de la vie. En été, sur un cours d'eau presque asséché, cette vague pourrait n'être qu'un vestige de l'exubérance passée.
La structure, qui représente une vague, est constituée de bandes de tissu autoporteuses et préformées, suspendues grâce à des filins.

Oscillations — Maxime Cosson

L'origine de l'œuvre Oscillations trouve sa place dans un parcours esthétique et sensoriel. Un système de sangles vrillées dont l'intérieur est peint en rouge participe à recréer le sentiment visuel d'un dégradé de l'ordre – ou presque – de la vibration.
En effet, avec le vent, les sangles en tension entrent en mouvement et vibrent, provoquant un effet sonore et visuel saisissant. Les visiteurs sont alors conviés à pénétrer à l'intérieur de l'installation qui, de simple passage, devient symboliquement le corps d'une longue-vue, invitant ainsi à un changement de perspective.

Entresort — Collectif A'PIL : Matthieu Pilaud et Pierre-Lou Didelon

Dans le milieu forain, un entresort est un bâtiment que l'on traverse et au sein duquel quelque chose se passe.
Au premier regard, cette œuvre est une forme équilibrée redécoupant le paysage tel un vitrail, mais lorsque le regard se déplace, les lignes se métamorphosent. L'œuvre devient alors le théâtre d'une figuration géométrique mouvante. Cette pièce est un espace frontière entre le paysage et sa déformation, entre perception et illusion.
De face, elle est un hommage au paysage : ses courbes jouent avec le dessin naturel du panorama. De biais, elle est une œuvre en mouvement aux allures brutalistes. Son énergie formelle aspire le spectateur dans son intérieur jusqu'à l'immerger entièrement. Ainsi Entresort devient passage, œuvre à expérimenter physiquement.